Meilleure galerie d’art en Andorre

Le monde est rempli de petites joies : l’art consiste à savoir les distinguer.

Li Bai Poète chinois (701-762)

Une galerie d’art en ligne fondée sur plus de 35 ans de parcours professionnel et d’excellence reconnue. Des œuvres uniques, avec une âme.

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Œuvre sélectionnée

Beauté éphémère

Cette peinture à l'huile raffinée sur panneau de format compact (31x31 cm), œuvre de l'artiste peintre catalane Pilar Reynard Ribera (née en 1930), constitue un remarquable exemple de peinture de cabinet et de miniature florale à forte vocation intimiste. La composition s'articule autour d'un délicat vase en verre abritant un bouquet bariolé de roses aux teintes roses, carmin et orange, flanqué au premier plan d'une rose détachée reposant sereinement sur la surface de travail, introduisant une note poétique d'éphémère et de naturalisme. Du point de vue stylistique, la pièce se distingue par la coexistence virtuose entre la légèreté de l'objet transparent —traité par de subtiles touches de lumière et des glaçis recréant la réfraction de l'eau et du verre— et une débordante richesse matière dans le traitement des corolles florales, où l'artiste applique l'huile par un empâtement dense, sculpté directement sur le support en bois d'une touche directe et en relief qui confère volume, tridimensionnalité et densité tactile à chaque pétale. Cette approche plastique s'inscrit directement dans la lignée de la grande peinture florale européenne du XIXe siècle, en particulier le magistère intimiste d'Henri Fantin-Latour, ainsi que dans la tradition du luminisme de l'école catalane du milieu du XXe siècle, dialoguant avec la maîtrise technique des petites natures mortes exécutées traditionnellement sur bois. Le format réduit, héritier de la très riche tradition néerlandaise et flamande des pièces de cabinet des XVIIe et XVIIIe siècles, situe cette œuvre dans une typologie de collectionnisme qui a historiquement recherché la contemplation rapprochée et le plaisir du détail minutieux, une discipline et une sensibilité que l'on peut admirer dans les collections de natures mortes et de tableaux de petit format du Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) à Barcelone, du Museo Thyssen-Bornemisza et du Museo del Prado à Madrid, ainsi que dans de célèbres cabinets de miniatures et d'intimisme pictural tels que la Wallace Collection et le Victoria and Albert Museum à Londres, ou le Musée d'Orsay à Paris, où les études florales sur panneau occupent une place privilégiée dans l'histoire de la peinture figurative européenne.

500 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Échos du temps II

Cette formidable composition de Tomás Medina, conçue en pendant de la précédente vers 1995, réaffirme la maîtrise de l'artiste dans le domaine de la technique mixte sur panneau en conjuguant le détail hyperréaliste de la figuration avec une puissante recherche matière à l'accent tridimensionnel. L'œuvre s'affranchit du statisme pictural conventionnel pour s'ériger sur une base élaborée de pâtes de relief, de charges minérales et de résines qui recréent un parement mural profondément érodé et d'une marquée condition sculpturale, sur lequel sont appliquées de délicates glaçis à l'huile d'une facture miniaturiste. Au centre de la composition, reposant sur un rebord en pierre simulée soutenu par une élégante console architecturale moulurée dans le registre inférieur, se distingue un récipient en porcelaine blanche avec couvercle, deux anses et des finitions dorées, orné d'un délicat bouquet floral polychrome aux tons rose, jaune et bleu cobalt, dont la netteté et la brillance vitreuse contrastent de manière dramatique avec la rugosité tactile du mur. À gauche, un petit bouquet de fruits rouges montre un traitement virtuose du brillant épithélial et du volume, tandis qu'à droite, un fruit sphérique aux tons citrins équilibre la distribution pondérée des masses dans l'espace. Le fond, un somptueux exercice d'illusionnisme trompe-l'œil, présente d'importants écaillements en haut-relief qui laissent entrevoir un fragment de peinture murale aux tons vert émeraude et bleu cobalt traversé par des bandes verticales, articulant un discours poétique profond sur le passage du temps, la détérioration des structures humaines et la permanence de l'objet quotidien. La lumière, venant du côté gauche, modèle les volumes avec une précision chirurgicale, projetant des ombres douces qui accentuent la rugosité du support et la qualité tridimensionnelle des éléments. Du point de vue iconographique, la pièce se rattache à la grande tradition de la nature morte espagnole du Baroque —héritant de la disposition rigoureuse sur rebord de Juan Sánchez Cotán et de l'austérité de Francisco de Zurbarán—, tout en s'inscrivant dans le néoréalisme magique espagnol de la seconde moitié du XXe siècle, dialoguant avec l'œuvre de maîtres tels que Claudio Bravo ou Eduardo Naranjo et intégrant l'expérimentation matière de l'informalisme contemporain. La signature « T. medina », incisée directement dans la masse texturée dans l'angle inférieur droit, confirme l'authenticité et la démarche plastique de l'œuvre. La production de Tomás Medina figure dans diverses collections d'institutions publiques, de fondations artistiques et de musées régionaux et municipaux en Espagne, ainsi que dans de prestigieuses collections privées consacrées au collectionnisme de la figuration et du réalisme espagnol de la fin du XXe siècle.

950 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Échos du temps

Cette remarquable composition de Tomás Medina, exécutée vers 1995, constitue un excellent exemple de nature morte contemporaine réalisée en technique mixte sur panneau, où se synthétisent avec maîtrise l'hyperréalisme aux racines baroques et l'illusionnisme matière propre au trompe-l'œil de la fin du XXe siècle. En effet, l'œuvre dépasse la peinture à l'huile conventionnelle pour articuler un travail plastique complexe dans lequel l'artiste combine des couches de glaçis à l'huile d'une technique miniaturiste sur une préparation de fond structurée avec des pâtes de relief, des charges minérales et des résines qui génèrent un empâtement sculptural à la texture extrêmement tactile. La scène s'organise sur le plan compositif à partir d'un rebord ou corniches en pierre simulée soutenue par une console moulurée dans la partie inférieure, sur laquelle sont disposés les éléments de la nature morte avec un équilibre spatial soigneusement étudié : à gauche, une clémentine à moitié épluchée dont les quartiers, membranes et zestes sont rendus avec un détail analytique extraordinaire ; au centre, un quartier isolé servant de lien rythmique ; et à droite, un vase en céramique au ventre globulaire et col évasé orné d'un motif floral bleu cobalt évoquant la faïence artisanale. Le parement de fond est un exercice magistral de réalisme matière, car il simule un mur antique et érodé dont les écaillements tectoniques en haut-relief révèlent un fragment de mosaïque ou de carrelage doté d'une rosette végétale aux tons terre cuite, ocre et bleu-gris, créant une dialectique visuelle entre la nature éphémère de la matière organique et la persistance de l'architecture déclinante. La lumière, nettement directionnelle et filtrée depuis la gauche, baigne la composition en dessinant des ombres portées aux transitions douces qui soulignent les volumes, la porosité du fruit et les craquelures de la céramique. Du point de vue iconographique et stylistique, la pièce plonge ses racines dans l'austérité spatiale de la nature morte espagnole du Siècle d'Or —évoquant la sobriété de composition et l'usage du rebord en pierre chez Juan Sánchez Cotán et Francisco de Zurbarán—, tout en s'inscrivant dans le néoréalisme magique espagnol de la seconde moitié du XXe siècle, dialoguant avec l'esthétique illusionniste et la minutie d'auteurs tels que Claudio Bravo ou Eduardo Naranjo, tout en intégrant des découvertes de la peinture matière informaliste par la prise en compte de la rugosité physique du support comme élément expressif. La signature « T. medina », incisée et pigmentée sur la masse matière elle-même dans l'angle inférieur droit, souligne la nature tridimensionnelle de la pièce. Le parcours de Tomás Medina et ses créations figurent dans diverses collections d'institutions publiques, de fondations artistiques et de musées régionaux et municipaux en Espagne, ainsi que dans de prestigieuses collections privées consacrées au collectionnisme de la figuration et du réalisme espagnol des dernières décennies du XXe siècle.

950 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Foire de la Pentecôte

Dans cette superbe huile sur toile de grand format (100 x 80 cm), le peintre catalan Pere Mateu Blanch (1904-1965) offre une remarquable réinterprétation de la célèbre œuvre Foire de la Pentecôte (1902) de l'illustre artiste postimpressionniste britannique Sir Alfred James Munnings (1878-1959), parvenant à transposer l'effervescence et le charme coutumier de la scène rurale dans son propre langage plastique de maturité. La composition déploie une très riche scène en plein air habitée par des marchands, des forains et des promeneurs lors d'un jour de foire, où Mateu fait preuve d'une maîtrise virtuose du naturel et de la peinture plein air, filtrant la lumière diaphane à travers le feuillage pour baigner de chaleur les étals ambulants, les attelages et les figures principales. Du point de vue stylistique, l'œuvre se distingue par sa touche agile, libre et chargée de matière, appréciable dans la formidable construction anatomique des chevaux de trait, la plasticité avec laquelle il sculpte les plis des vêtements et le virtuosisme détaillé des visages, parmi lesquels se détachent l'expressif vendeur à la barbe blanche offrant des fruits de sa corbeille et l'enfant au premier plan mordant dans une pomme avec une fraîcheur réaliste remarquable. La palette chromatique, riche en terres chaudes, ocres brûlés, verts feuillus et contrepoints lumineux de blancs, vermillons et bleus, confère à la pièce un dynamisme optique et une profondeur spatiale de premier ordre. Formé entre Barcelone et Paris, le parcours de Pere Mateu Blanch a été jalonné de succès lors de concours officiels et d'expositions prestigieuses ; ses œuvres figurent dans les collections de musées et d'institutions tels que le Museu de Terrassa, tout en faisant partie de prestigieuses collections publiques, d'entreprises et privées spécialisées dans la grande peinture figurative du XXe siècle.

1.500 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Nature morte aux grappes de raisins

Le peintre catalan Pau Valls Cañellas (Barcelone, 1928–2006) présente dans cette huile sur toile au format paysage et d'une envergure remarquable une nature morte raffinée centrée sur la représentation de plusieurs grappes de raisins noirs et blancs disposées selon un parcours horizontal avisé ; sa formation académique et l'étude rigoureuse d'après nature s'inspirent dans ses influences de la grande tradition de la nature morte baroque espagnole de maîtres tels que Luis Meléndez et Juan van der Hamen, combinées à la minutie descriptive de l'école hollandaise du XVIIe siècle et au sobre réalisme figuratif catalan du XXe siècle ; concernant son style, il se distingue par une maîtrise virtuose de la technique de l'huile et du clair-obscur, atteignant une très haute qualité plastique dans la récréation de la translucidité organique, de la succulence et des textures des fruits ; grâce à un coup de pinceau précis, l'artiste applique de subtils glaçis pour rendre la délicate couche de pruine sur la peau des raisins et de précis empâtements de lumière blanche pour fixer les éclats lumineux, obtenant une riche transition tonale allant des ombres pourpres et violacées des grappes noires aux transparences verdâtres et dorées des raisins blancs ; la composition, soulignée par un fond neutre et terreux à l'atmosphère nuancée, donne à l'œuvre un sens spatial marqué et un volume tridimensionnel ; quant à la destination de son œuvre et aux musées, les compositions de Pau Valls sont représentées dans des collections de fondations culturelles, des archives institutionnelles catalanes, des entités artistiques en Espagne et en Andorre, ainsi que dans de prestigieuses collections privées spécialisées dans la peinture de nature morte et le réalisme figuratif contemporain.

1200 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Ménage à trois

La sculpture Ménage à trois (1997), conçue par la célèbre sculptrice Fili Plaza et répertoriée autographiquement comme l'exemplaire 3/9 d'une édition limitée à neuf fontes, est une pièce de moyen format exécutée en bronze à la cire perdue avec une patine aux tons bruns et aux nuances verdâtres, reposant sur un socle monolithique en fer rouillé ; la formation et l'évolution plastique de l'artiste se reflètent dans une maîtrise rigoureuse du volume et des qualités tactiles du métal, se caractérisant techniquement par un contraste de matière marqué entre la chaleur organique du bronze modelé à la main et la sobriété puriste et industrielle du socle en fer à l'oxydation naturelle ; sur le plan de ses influences, la pièce s'inscrit directement dans la grande tradition du figurativisme organique du XXe siècle et le sensualisme synthétique de maîtres de la sculpture européenne et catalane tels qu'Auguste Rodin, Josep Clarà et Aristide Maillol, redéfinis à partir d'une poétique contemporaine où le dynamisme des masses corporelles et la fluidité spatiale priment sur la description anatomique stricte ; concernant son style et sa thématique, l'œuvre aborde l'intimité, le désir et la complicité à travers un groupe tridimensionnel de trois torses nus étroitement enlacés, dont les mains et les membres tracent un rythme enveloppant et continu qui invite le spectateur à une lecture circulaire à 360 degrés, conservant sur la surface les traces du modelage direct dans la cire originale ; quant à la destination de son œuvre et à sa présence institutionnelle, les sculptures de Fili Plaza font partie des fonds de fondations privées de prestige telles que la Fundació Vila Casas, de collections publiques d'art contemporain, d'interventions monumentales dans des espaces urbains et de prestigieuses collections d'entreprises et privées en Espagne, en Andorre, en France et dans divers pays européens.

1.100 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

La Corne d'Or, Istanbul

Cette aquarelle sur papier réalisée par le peintre turc Vahit Armağan présente une vue panoramique au caractère védutiste marqué sur la Corne d'Or à Istanbul, rigoureusement structurée en trois plans de profondeur où la surface de l'eau au premier plan accueille de petites embarcations traditionnelles en bois et des barges chargées, le plan moyen abrite des navires à vapeur et des marchands de plus grand tirant d'eau amarrés le long du port, et l'arrière-plan s'érige monumentalement avec la silhouette de la colline urbaine dominée par l'imposante architecture ottomane de la mosquée Süleymaniye et de la Nouvelle Mosquée (Yeni Cami) avec leurs coupoles et minarets découpés sur un ciel de nuages au lavis subtil ; sur le plan stylistique, l'œuvre témoigne d'une maîtrise technique de haute précision dans l'utilisation de l'aquarelle transparente avec superposition de glacis en humide sur sec, capturant avec aisance la lumière nuancée du Bosphore grâce à une palette chromatique sobre et harmonieuse dominée par des gammes de bleus cobalt et outremer, de verts grisâtres, d'ocres et de tons neutres qui articulent aussi bien les reflets chromatiques de l'eau que la rigueur architecturale des monuments ; les influences plastiques de l'auteur s'intègrent directement dans la tradition du paysage pleinairiste français et de l'impressionnisme turc hérité de sa formation à l'Académie des Beaux-Arts d'Istanbul sous la direction d'İbrahim Çallı et de son séjour ultérieur de quatre ans à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, fusionnant la rigueur de la composition classique européenne avec l'atmosphère poétique et orientaliste propre aux vues côtières stambouliotes du XXe siècle ; les œuvres de Vahit Armağan sont conservées au sein d'institutions et de fonds publics renommés tels que le Musée Archéologique de Bursa et les collections du Ministère de la Culture et du Tourisme de la République de Turquie, en plus de figurer dans d'importantes collections privées et institutionnelles spécialisées dans l'art turc moderne.

475 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Paire de "putti" assis

Paire de cherubins ou putti assis en bronze massif, d'environ 20 cm de hauteur, constituant un exemple raffiné de la sculpture décorative française de la fin du XIXe et du début du XXe siècle (v. 1880–1920), période marquée par la revalorisation des styles historiques durant la Belle Époque. L'œuvre représente deux enfants ailés dans une attitude contemplative et sereine, disposés en symétrie miroir sur des rochers au traitement naturaliste et tenant de délicates guirlandes ou bouquets de fleurs sur leurs genoux. Du point de vue stylistique, les pièces s'inscrivent dans une esthétique Néo-baroque et Néo-rococo d'une nette filiation académique, caractérisée par la recherche de la grâce, de la légèreté géométrique et par l'étude anatomique enfantine aux formes douces et arrondies. Ces figures puisent leurs racines conceptuelles et iconographiques dans la grande tradition sculpturale du XVIIIe siècle français, prenant pour principale source d'inspiration les modèles classicistes et galants de maîtres tels qu'Étienne-Maurice Falconet, Louis-Félix Delrue et, tout particulièrement, Claude Michel, dit Clodion, dont la maîtrise dans la représentation des cherubins et des allégories des saisons ou du printemps a fixé un canon esthétique durable dans les arts décoratifs européens. Bien que les pièces ne présentent pas de signature visible permettant de les attribuer à un sculpteur précis, leur minutieux procédé de fabrication —par fonte à la cire perdue ou en moule de sable avec un délicat ciselage ultérieur à froid pour définir les boucles des chevelures, le plumage des ailes et les plis des drapés— suggère une exécution au sein des ateliers et fonderies d'art parisiens florissants de l'époque, tels que Barbedienne, Susse Frères ou Colin, spécialisés dans l'édition de bronzes de cabinet et d'éléments ornementaux de haute qualité pour garnitures de cheminée ou consoles de salon de la haute bourgeoisie. La riche patine sombre aux nuances brun cuivré, associée aux reflets et usures dorés qui affleurent naturellement sur les reliefs sous l'effet du temps, confère à cette paire une chaleur visuelle remarquable ainsi qu'une incontestable dimension historique et patrimoniale.

500 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Nature morte aux oignons

Cette œuvre de Pau Valls Cañellas, exécutée à l'huile sur toile et signée par l'artiste dans l'angle inférieur droit (Pau Valls), constitue une nature morte figurative raffinée et intime représentant trois oignons disposés naturellement sur un fond énigmatique et enveloppant aux tons bordeaux et cramoisi ; la composition s'articule à travers une étude minutieuse des formes organiques et de la corporéité des objets humbles, plaçant les trois bulbes dans un dialogue visuel où la lumière incidente perce l'ombre pour souligner la texture parcheminée de leur peau, les nuances dorées et cuivrées de leurs pelures externes et les fins germes ou racines qui émergent délicatement aux extrémités ; sur le plan thématique, la pièce s'inscrit dans la tradition historique de la nature morte ibérique et du réalisme intime de l'École de Paris, exaltant la beauté poétique cachée dans le quotidien et la nature morte à travers un traitement contemplatif et serein ; techniquement, l'œuvre témoigne d'une facture de matière extrêmement généreuse et riche en volumes, combinant une touche directe et vigoureuse à de petites applications d'empâtement dense —particulièrement visibles dans les touches de lumière blanche et jaunâtre sur leurs épidermes sphériques— qui contrastent de main de maître avec les couches plus fluides et sombres structurant les ombres portées et l'atmosphère profonde du fond ; stylistiquement, elle reflète le solide héritage du naturalisme catalan transmis par son père Nolasc Valls et tamisé par le lyrisme de la peinture figurative du XXe siècle, faisant preuve d'une maîtrise absolue du clair-obscur et de la température de la couleur ; la palette chromatique se déploie dans une chaude harmonie de vermillons, de magentas profonds, de terres de Sienne, d'ocres chauds et d'éclats de blanc crémeux, atteignant un équilibre chromatique d'une grande sophistication visuelle ; l'œuvre de Pau Valls bénéficie d'une reconnaissance internationale notable et figure au sein de prestigieuses collections privées et institutionnelles en Espagne, en Andorre, en France, aux États-Unis et au Japon.

1100 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Ansalonga depuis la rivière

Cette œuvre de Francesc Torneró, exécutée à l'huile sur toile au format de 74x57 cm et signée par l'artiste dans l'angle inférieur droit (Torneró), constitue une très belle composition de paysage pyrénéen andorran —identifiable au pittoresque hameau d'Ansalonga et à son environnement fluvial— empreinte d'un lyrisme poétique et d'un naturalisme contemplatif d'inspiration postimpressionniste ; la composition s'articule de main de maître à partir du cours serpenteux d'un torrent de haute montagne au premier plan, dont les eaux vives et écumeuses guident le regard du spectateur vers l'architecture traditionnelle de granges et de maisons en pierre aux toits de lauze, reliées par un pont à arche unique au second plan et encadrées par la présence imposante des sommets enneigés en arrière-plan ; sur le plan thématique, l'œuvre célèbre la sérénité intemporelle et l'identité vernaculaire du paysage des Vallées d'Andorre, capturant l'instant précis où la lumière tamisée de la montagne baigne les prés de reflets dorés et de verts chauds ; techniquement, la pièce témoigne de la vigoureuse maîtrise du pinceau et du couteau caractéristiques du peintre, avec une application de matière riche et généreuse qui modèle la rugosité de la pierre, la sinuosité du courant d'eau et les crêtes rocheuses par des touches sûres d'un épais empâtement ; stylistiquement, la peinture s'inscrit directement dans la tradition pleinairiste historique de l'École d'Olot et du paysage lumineux catalan du XXe siècle, recevant l'influence de maîtres tels que Xavier Viñolas et Joan Vilà Moncau dans le traitement structuré de la lumière et de l'atmosphère ; la palette chromatique se déploie en une symphonie d'ocres, de verts prairie, de terres de Sienne et de gris plombés, qui tranchent avec le blanc impur de la neige alpine et les touches vives de lumière sur les murs crépis des constructions ; l'œuvre de Francesc Torneró figure en bonne place dans d'importantes collections privées d'art catalan et andorran, dans des fonds de collectionneurs d'entreprises spécialisés dans le paysage pyrénéen, ainsi que dans des galeries et institutions vouées à la préservation du patrimoine figuratif contemporain.

1.100 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Gare ferroviaire sous la neige

Cette œuvre du célèbre paysagiste et intimiste catalan Francesc Torneró, exécutée à l'huile sur panneau de bois dans un format de 54x45 cm et signée expressément dans l'angle inférieur gauche (Torneró), constitue un superbe spécimen de la peinture thématique d'archéologie industrielle et de paysage urbain moderne, centrée sur la poétique du chemin de fer d'époque ; la composition s'articule autour d'une fuite perspective au dynamisme linéaire marqué qui guide le regard vers la verrière voûtée de la gare, où trois locomotives à vapeur reposent et s'élancent entre les voies recouvertes d'un manteau de neige et de glace ; sur le plan thématique, la pièce aborde la fascination du XIXe et du début du XXe siècle pour la force mécanique, la vitesse et l'atmosphère industrielle, capturant l'instant précis où les cheminées expulsent de denses colonnes de fumée et de vapeur qui s'entrelacent avec les caténaires et la structure métallique des voies ; techniquement, on remarque l'extraordinaire maîtrise du couteau et du pinceau large, appréciable dans la dense application de matière avec laquelle Torneró modèle la vapeur par des rythmes circulaires enveloppants et d'épais empâtements aux nuances crème, ocre et grise, qui tranchent avec la précision du dessin synthétique et structuré des locomotives ; stylistiquement, l'œuvre témoigne d'une nette affiliation au postimpressionnisme et au réalisme d'inspiration britannique et européenne, s'inscrivant directement dans la tradition luministe et industrielle inaugurée par J.M.W. Turner dans Pluie, Vapeur et Vitesse, ainsi que dans les vues de la gare Saint-Lazare de Claude Monet ; la palette chromatique, dominée par une gamme sobre de gris acier, d'ocres, de blancs craie et de bruns, est rompue avec maestria par de vibrantes touches de couleur pure sur les feux rouges et jaunes des signaux et les phares incandescents des chaudières, apportant un accent chaleureux à la rigueur de l'atmosphère hivernale ; l'œuvre de Francesc Torneró figure en bonne place dans d'importantes collections privées d'art catalan du XXe siècle, dans des fonds de collectionneurs d'entreprises spécialisés dans le patrimoine ferroviaire et industriel, ainsi que dans des galeries et institutions vouées à la préservation du patrimoine pictural figuratif et pleinairiste contemporain.

800 €Voir l’œuvre

Œuvre sélectionnée

Mélancolie en blanc

Cette œuvre d'Enric Montserrat Foj, exécutée à l'huile sur panneau de bois et signée par l'auteur dans l'angle inférieur gauche, constitue une pièce d'une sensibilité intimiste raffinée au sein de la production de maturité de l'artiste, consacrée à la représentation poétique du portrait et à l'idéalisation de la figure féminine ; la composition représente à mi-corps une jeune fille au profil inclinée et au regard mélancolique, adopte une posture de doux recueillement, les mains reposant sur sa poitrine et son cou, drapée dans une tunique aux nuances de blanc cassé ; techniquement, le panneau se distingue par un traitement de surface virtuose et extrêmement complexe de la matière, où Montserrat associe la finesse anatomique du visage et la gestuelle des mains —fruit de sa solide formation de dessinateur et d'illustrateur— à une densité tactile extraordinaire dans le fond et dans les détails ornementaux de la chevelure, réalisés au moyen d'un empâtement dense au couteau rehaussé de touches de pigments jaunes, ocres, bleus et rosés créant un bas-relief presque sculptural ; stylistiquement, l'œuvre témoigne d'une nette affiliation au symbolisme tardif et au postimpressionnisme d'inspiration lyrique, rejoignant les atmosphères éthérées des maîtres préraphaélites et le luminisme intimiste catalan ; l'utilisation du support en bois apporte une rigidité structurale que le peintre exploite pour graver la matière de textures vibrantes et de grattages partiels révélant les couches sous-jacentes, articulant une palette chromatique dominée par les blancs craie, les ivoires, les terres douces et les reflets bruns de la chevelure cuivrée de la jeune fille ; l'œuvre d'Enric Montserrat Foj figure dans des fonds patrimoniaux institutionnels tels que les archives historiques des anciennes éditions Editorial Bruguera et Selecciones Ilustradas (S.I.), des fonds de collections d'entreprises ainsi que dans d'importantes collections privées d'Europe et des États-Unis dédiées à l'art figuratif contemporain et au dessin espagnol du XXe siècle.

1.400 €Voir l’œuvre

CEO Art Andorra

Alfred Llahí Segalàs

En 1991, j’ai inauguré, avec mon frère, ce qui allait devenir notre première galerie d’art dans la Principauté d’Andorre, la Galería de Arte Llahí, devenant ainsi les plus jeunes galeristes de notre pays. Nous avions un peu plus de 20 ans et une grande envie d’apporter notre pierre au développement culturel de notre petit pays.

Le succès fut tel que deux ans plus tard, nous avons inauguré notre deuxième galerie d’art en Andorre et, peu de temps après, une troisième en Espagne, plus précisément sur la Costa Brava.

Le prestige acquis par nos galeries d’art a permis que nous soyons la galerie européenne choisie pour disposer d’un mandat de vente exclusif d’une huile de Velázquez de la période sévillane (1618-1623), estimée à 15 millions d’euros.

Jusqu’en 2012, les Galeries d’Art Llahí ont continué à organiser plus de 300 expositions individuelles et de nombreuses expositions collectives, avec des artistes de prestige international tels que Félix Revello de Toro, Lorenzo Quinn et bien d’autres grandes signatures de l’art figuratif du moment en Europe et en Amérique.

Entre 2012 et 2020, je me suis consacré à l’organisation d’expositions internationales avec de grandes signatures à Chicago et à Dubai, ainsi qu’au conseil artistique auprès de fondations principalement internationales, parmi lesquelles se distingue celle de la baronne Ariane de Rothschild, principale responsable de la banque suisse Edmond de Rothschild.

33 ans après l’inauguration de notre première galerie d’art, j’ai le plaisir de présenter ART ANDORRA, un nouveau concept où collectionneurs, investisseurs et amateurs d’art du monde entier peuvent découvrir et acquérir depuis chez eux les œuvres qui font partie de notre fonds, qui ne se limite pas à la peinture et à la sculpture, mais propose également des pièces exclusives d’art ethnique, religieux ou toutes sortes d’antiquités, pour ne citer que quelques exemples.

Profitez de votre visite d’Art Andorra, la nouvelle galerie d’art virtuelle de la Principauté d’Andorre.

Alfred Llahí Segalàs

CEO d’Art Andorra

1991Première galerie

300+Expositions

36Années de parcours

Plus qu’une acquisition, un héritage.

Nous offrons un service intégral d’excellence pour vous accompagner dans la création d’une collection avec une âme, pensée pour être appréciée aujourd’hui et perdurer pendant des générations.

Conseil

Conseil personnalisé pour choisir des pièces selon le goût, l’espace, la collection ou l’investissement.

Œuvres sélectionnées

Catalogue organisé par technique, catégorie, disponibilité et valeur artistique.

Aménagement intérieur

Propositions pour maisons, hôtels, bureaux, restaurants et espaces singuliers.

Consultation privée

Accompagnement direct pour acheteurs, collectionneurs et personnes intéressées par des pièces spéciales.

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Consultez une œuvre, demandez plus d’informations ou un conseil pour trouver la pièce adaptée à votre collection, maison, hôtel ou projet.

☎+376 325 672 ✉info@artandorra.com ⌂Escaldes-Engordany, Andorra

Le monde est rempli de petites joies : l’art consiste à savoir les distinguer.

Catégories

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Sculpture

Dessin

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Nature morte aux grappes de raisins

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Mélancolie en blanc

Alfred Llahí Segalàs

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